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DISCO DE LA SEMANA
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Novedades Musicales semanales en vinilo
Esta semana nos sumergimos en dos experiencias sonoras legendarias, tan diferentes en su forma como magistrales en su fondo. Prepara tus oídos porque viajamos desde la energía cruda y la explosión de estilos que definieron una época con el icónico London Calling de The Clash, hasta la profundidad serena, la poesía hecha canción y la elegancia capturadas en directo en el maravilloso Live in London del maestro Leonard Cohen.
Dos discos imprescindibles, dos momentos cumbre de la música que exploramos a fondo.
London Calling
The Clash
Título: London Calling de The Clash: Mucho Más que Punk en un Vinilo Legendario
¡Eh, amantes de la buena música y los surcos que marcaron historia! Si hay un disco que representa un antes y un después, no solo en el punk, sino en el rock en general, ese es sin duda London Calling de los británicos The Clash. Lanzado a finales de 1979 (¡casi nada!), este doble LP es una pieza fundamental que todo melómano debería tener controlada, y si es en vinilo, ¡la experiencia es aún más auténtica!
Olvídate de la idea de que The Clash era solo ruido y furia punk. Con London Calling, Joe Strummer, Mick Jones, Paul Simonon y Topper Headon demostraron una madurez y una apertura de miras brutal. Este álbum es un crisol de estilos que te vuela la cabeza: sí, hay punk rock energético, pero también te vas a encontrar con reggae vibrante («Guns of Brixton», cantada por Simonon), ska contagioso («Rudie Can’t Fail»), rockabilly con sabor clásico, toques de pop pegadizo («Train in Vain», ¡que ni siquiera salía en los créditos originales!), guiños al jazz, al R&B y hasta aires fronterizos en «Spanish Bombs». ¡Un festín sonoro en toda regla!
Líricamente, London Calling es un reflejo de su tiempo: crítico, político, pero también con historias de calle, amor y descontento. Desde el himno apocalíptico que da título al disco hasta la lucha social de «Clampdown», pasando por la ya mencionada «Spanish Bombs» o la melancolía rebelde de «Lost in the Supermarket», cada canción tiene algo que decir y lo dice alto y claro. Y no olvidemos esa portada icónica, con Paul Simonon reventando su bajo contra el escenario, una imagen que captura perfectamente la energía cruda del álbum.
¿Y qué hay de la calidad de la grabación? Aquí viene lo interesante. La producción corrió a cargo de Guy Stevens, un personaje conocido por sus métodos poco ortodoxos pero efectivos. El resultado es un sonido que, sin ser ultra pulido como las producciones actuales (¡estamos hablando de 1979!), tiene una pegada y una claridad sorprendentes. Captura la energía cruda y casi en directo de The Clash, pero con matices y capas que descubres con cada escucha. Los bajos suenan profundos, las guitarras afiladas y la batería contundente. No esperes la perfección sonora de un estudio moderno, sino la vibración auténtica y potente de una banda en absoluto estado de gracia. El vinilo original, o una buena reedición, transmite esa calidez y esa dinámica de forma espectacular.
En resumen, London Calling no es solo un disco, es un manifiesto musical y cultural. Rompió barreras, demostró que el punk podía (y debía) evolucionar y se consolidó como una obra maestra atemporal. Su influencia llega hasta nuestros días y escucharlo sigue siendo una experiencia reveladora.
Así que, si tienes la suerte de tener este LP en tu colección o simplemente quieres darle una escucha en tu plataforma favorita, ¡hazlo! Sumérgete en las calles de ese Londres sonoro que The Clash pintó con maestría. Es un viaje musical que sigue tan fresco, relevante y necesario como el primer día. ¡Larga vida a London Calling!
Live In London
LEONARD COHEN
Título: Leonard Cohen – Live in London: La Magia Intacta de un Maestro en Directo
Amigos de las voces profundas y las canciones que acarician el alma, hoy nos quitamos el sombrero (metafóricamente, ¡o no!) para hablar de una joya en directo: Leonard Cohen – Live in London. Si hubo un regreso a los escenarios que nos dejó a todos emocionados y agradecidos, fue el que este álbum doble (¡y también DVD/Blu-ray!) documenta a la perfección. ¡Prepárense para la elegancia hecha música!
Grabado en el imponente O2 Arena de Londres en julio de 2008, durante esa gira que supuso su vuelta tras 15 años alejado de las tablas, este disco captura a un Cohen septuagenario en plena forma. Y cuando decimos en forma, no hablamos solo de la voz (que seguía siendo ese bálsamo grave y cautivador), sino de su presencia escénica, su humor sutil, su humildad y un magnetismo que traspasa los altavoces. Cohen no daba un concierto, oficiaba una ceremonia íntima, incluso en un recinto enorme.
Acompañado por una banda exquisita, llena de músicos sensibles y virtuosos, y arropado por las celestiales armonías vocales de colaboradoras como las Webb Sisters, Cohen desgranó un repertorio que es, sencillamente, un lujo. Este Live in London es un viaje a través de su vasta carrera. Aquí resuenan himnos inmortales que forman parte de nuestra banda sonora vital: la universal «Hallelujah» (en una versión emocionante y contenida), la eterna «Suzanne», la melancólica «So Long, Marianne» o la icónica «Bird on the Wire».
Pero no solo de clásicos vive el hombre. También encontramos interpretaciones magistrales de temas de su etapa más «reciente» (en la escala Cohen) como «In My Secret Life» o la cadenciosa «Boogie Street», pasando por la intensidad casi profética de «The Future», la elegancia nocturna de «Dance Me to the End of Love» o el clásico moderno «I’m Your Man». Cada canción es tratada con un respeto y una profundidad que te llegan directos.
¿Y el sonido? La calidad de la grabación: Aquí viene una de las grandes noticias y uno de los puntos fuertes de este lanzamiento. La calidad de la grabación es excepcional para ser un directo. Olvídate del sonido a veces embarullado o distante de muchos álbumes en vivo. La producción de Ed Sanders logró un equilibrio perfecto. Cada instrumento tiene su espacio y definición, la mezcla es cálida, detallada, y lo más importante: la voz de Leonard Cohen se escucha nítida, cercana, llena de matices y emoción, perfectamente integrada pero siempre protagonista. Se capta la atmósfera del O2 Arena, los aplausos respetuosos y la conexión palpable con el público, pero sin que esto interfiera en la claridad musical. Es un sonido envolvente y de alta fidelidad que hace justicia a la grandeza del evento.
Este Live in London no es solo un disco en directo más; es el testimonio sonoro de la increíble resurrección artística de uno de los cantautores más importantes e influyentes del siglo XX (y XXI). Escuchar a Cohen, con esa mezcla única de solemnidad, ironía y profunda humanidad, recitando y cantando sus poemas musicados, es una experiencia conmovedora y enriquecedora.
Así que, tanto si eres un devoto «coheniano» de toda la vida como si quieres adentrarte en el universo de este artista irrepetible, Live in London es una puerta de entrada (o de regreso) perfecta y emocionante. Dale al play y déjate llevar por la clase, la poesía y la magia de un verdadero maestro en la cumbre de su arte tardío. ¡Una escucha obligada!
BLUE MITCHELL
BLUE´S MOODS
Blue Mitchell – Blue’s Moods: Jazz para cuando el café ya no es suficiente (y necesitas algo más cool)
Si alguna vez has puesto un disco de jazz solo para sentirte sofisticado—pero a los 10 minutos te diste cuenta de que no entendías ni el 60% de lo que pasaba—, Blue’s Moods (1960) de Blue Mitchell es tu salvación. Este es el jazz que te hace parecer culto sin tener que fingir que disfrutas solos interminables. Aquí, la trompeta de Mitchell no viene a darte clases de teoría musical, sino a decirte: «Relájate, que esto va a estar bien».
¿Por qué este disco es el mejor aliado para tu falsa vida intelectual?
Porque Blue Mitchell tocaba como si supiera que algún día lo escucharías mientras lees un libro que jamás terminarás (o mientras finges trabajar en una cafetería). Es jazz user-friendly: melodías que entran por los oídos y se quedan como ese amigo que siempre llega con buen rollo.
Canciones para presumir (o para enamorar a alguien que cree que el jazz es too much):
- «Avars» – El tema perfecto para poner de fondo cuando quieres que alguien piense que tu vida es una película de Woody Allen (pero sin los diálogos incómodos). Trompeta + piano = combo ganador.
- «Scrapple from the Apple» – Si este tema no te hace mover un pie aunque sea un poquito, revisa si no tienes los auriculares desconectados. Es jazz con swing, pero sin exigirte que bailes como en los 50.
- «I’ll Close My Eyes» – La balada ideal para cuando quieres suspirar dramáticamente frente al espejo (o para ponerle ambiente a esa cita en la que quieres dar la impresión de que tienes profundidad).
El truco de Mitchell: sonar increíble sin sudar la camisa
A diferencia de esos músicos que tocan como si les pagaran por nota, Blue Mitchell prefería la elegancia. Su trompeta no grita—susurra cosas bonitas al oído, como: «Oye, tranqui, que la vida no es tan seria».
¿Para quién es este disco?
- Para ti, que quieres jazz pero sin el síndrome del «tengo que entenderlo todo».
- Para esa persona que dice «el jazz no es lo mío» (esto le hará cambiar de opinión).
- Para tu yo futuro, cuando descubras que es el mejor soundtrack para limpiar la casa con estilo.
En resumen: Blue’s Moods es como ese amigo que siempre llega con la botella de vino perfecta—no es la más cara, pero es la que hace que la velada sea inolvidable.
¿Le das play? Prometo que no te arrepentirás (y si sí, siempre puedes culparme a mí). 🎺😉
Si eres de los que oye el jazz y no solo lo escucha, este disco es para ti. Blue’s Moods (1960) no solo suena bien, suena redondo—como si Blue Mitchell y su trompeta hubieran entrado directamente en tu sala para tocar en vivo. Y para los audiofilos que se pirran por los detalles, este vinilo es como encontrar un billete de 20€ en un pantalón viejo: sorpresa gratísima.
🎵 Calidad de sonido: ¿Por qué este vinilo es la perla?
- Grabación analógica pura: Como todo lo bueno de los 60, nada de autotune ni compresión digital. Sonidos cálidos, instrumentos que se escuchan en su sitio y una trompeta que parece flotar en el aire.
- Masterizado para humanos, no para robots: Los agudos no chillan, los graves no revientan y los medios son tan suaves como un abrazo de manta. Ideal para esos oyentes que odian cuando el saxo suena como si estuviera dentro de una lata.
- Ruidos y pops: Si tienes una copia original, quizá tenga ese crackle vintage que a los puristas les encanta (y si es un repress moderno, probablemente suene limpio como un diamante).
🎧 Comparativa para frikis del sonido:
- CD vs. Vinilo: El CD puede sonar nítido, pero el vinilo tiene ese air y profundidad que hace que el contrabajo se sienta como un latido.
- Streaming vs. Disco físico: En Spotify suena bien, pero sin esa magia táctil de dejar caer la aguja y escuchar cómo el piano de Wynton Kelly te saluda desde 1960.
¿Para qué sistemas brilla más este disco?
- Auriculares de alta gama: Para escuchar cómo respira Mitchell entre notas.
- Equipos vintage: Porque este disco fue hecho para tocadiscos con alma (y quizá un poco de humo de tabaco incrustado).
- Altavoces modernos: Para que los bajos de Sam Jones te revienten los tímpanos con elegancia.
En resumen: Si buscas un vinilo que justifique el dinero que te gastaste en ese cartucho fancy, este es uno de esos discos que suenan mejor en analógico. Y si no tienes equipo caro, no te preocupes: hasta en un Victrola barato sonará mejor que el 90% de lo que hay en tu playlist.
¿Vale la pena cazarlo en vinilo? Como un tesoro. 🏆 (Y si no, siempre puedes ponerlo en digital y soñar con que algún día tendrás ese sistema de sonido de 5000€).
JOHN COLTRANE
THE CATS
John Coltrane – The Cats: Jazz de lujo para gente con estilo (y para los que no tienen ni idea)
Si crees que el jazz de Coltrane siempre suena como un huracán de notas, The Cats (1957) te va a sorprender. Aquí, el saxofonista legendario baja las revoluciones y nos regala un disco elegante, accesible y con un sonido tan pulido que hasta tu abuela diría «esto sí es música».
🎷 ¿Por qué este disco es la puerta perfecta al mundo de Coltrane?
- Es Coltrane sin el caos: Aquí no hay 25 minutos de solos alucinantes, sino jazz compacto, melódico y lleno de swing. Ideal para los que aman el buen sonido pero no quieren terminar mareados.
- Un dream team de músicos: Con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins al bajo y Louis Hayes en la batería. ¡Hasta el gran Idrees Suliman se suma a la trompeta!
- Canciones que enganchan: Desde el primer track, queda claro que esto no es un ejercicio de ego, sino música para disfrutar.
Tracks clave:1️⃣ «Minor Mishap» – Un tema con un groove perfecto para poner de fondo mientras cocinas (o mientras finges que trabajas).2️⃣ «How Long Has This Been Going On?» – Balada romántica que demuestra que Coltrane podía ser tan sensible como explosivo.3️⃣ «Solacium» – Jazz relajado pero con ese toque cool que solo los grandes saben dar.
¿Qué dice tu oído audiofilo?
- Grabación analógica de 1957: Sonido cálido, con los instrumentos bien separados (el saxo de Coltrane suena como si estuviera en tu sala).
- Vinilo original vs. reediciones: Los primeros pressings tienen ese hiss vintage que a los puristas les encanta, pero las reediciones modernas suenan increíblemente limpias.
- Equipo recomendado: Desde un tocadiscos básico hasta un sistema high-end, este disco suena bien en cualquier parte (aunque, claro, con buenos parlantes, el bajo de Doug Watkins te hará flotar).
¿Para quién es este disco?
✔ Para los que quieren empezar con Coltrane pero les da miedo A Love Supreme.✔ Para los que aman el jazz clásico bien hecho, sin experimentos raros.✔ Para los audiofilos que buscan un vinilo que justifique su obsesión por el sonido analógico.
En resumen: The Cats es como el traje negro de jazz: nunca pasa de moda, siempre queda bien y te hace ver más interesante de lo que eres. ¿Le das una oportunidad? 🎶🐱
Lady Gaga
MAYHEM
Mayhem es el octavo álbum de estudio de Lady Gaga, lanzado el 7 de marzo de 2025. Este trabajo marca un regreso a sus raíces pop, fusionando diversos géneros y estilos que reflejan su evolución artística.
El álbum se caracteriza por su eclecticismo y exploración sonora. Canciones como «Abracadabra» y «Garden of Eden» evocan la energía de sus primeros éxitos, mientras que «Perfect Celebrity» ofrece una crítica a la fama y sus consecuencias.
Una de las pistas destacadas es «How Bad Do U Want Me», una canción con influencias de synth-pop que estuvo a punto de ser excluida del álbum. Sin embargo, su prometido, Michael Polansky, la convenció de mantenerla, argumentando que los fans la apreciarían. La letra aborda la percepción de Gaga como una «chica mala» y su lucha interna entre las expectativas sociales y su verdadera identidad.
La producción de Mayhem contó con la colaboración de Andrew Watt y el propio Polansky como productores ejecutivos. Gaga describe el álbum como un «viaje transgresor» que refleja sus diversas influencias musicales y experiencias de vida.
Visualmente, la portada del álbum muestra a Gaga con un corte de cabello negro desaliñado y su rostro ligeramente distorsionado detrás de un vidrio roto, simbolizando la reconstrucción de su identidad artística.
En resumen, Mayhem representa una etapa de renovación en la carrera de Lady Gaga, combinando elementos de su pasado musical con nuevas exploraciones sonoras y temáticas.
BRUCE SPRINGTEN
Only the Strong Survive de Bruce Springsteen es un tributo apasionado a la música soul, un género que marcó a toda una generación. Con su inconfundible voz, Bruce reinventa clásicos de artistas como The Temptations, Jimmy Ruffin y Dobie Gray, aportando su propia intensidad y respeto por las versiones originales. Los arreglos son exquisitos, con una sección de vientos poderosa, coros envolventes y un sonido que evoca el esplendor de Motown y Stax. Aunque se aleja del rock que lo hizo famoso, la energía y emoción que imprime en cada interpretación hacen que estas canciones suenen frescas y vibrantes. No es solo un disco de versiones; es una celebración del legado del soul, donde Springsteen se luce como intérprete, disfrutando cada nota. Se siente su conexión con estos temas, transmitiendo nostalgia y entusiasmo a la vez. Es un álbum que, sin innovar, logra emocionar y rendir homenaje a una era dorada de la música.
Harry Styles
Harry Styles (2017) es un debut en solitario que sorprende por su frescura y madurez. Tras su salida de One Direction, Harry da un giro hacia un sonido más diverso, que abarca influencias del rock clásico, el folk, el britpop y el glam. El álbum comienza con la épica Sign of the Times, una balada dramática que refleja una sensación de cambio y desesperación. Temas como Kiwi y Carolina son más enérgicos, con un toque de rock desenfadado, mientras que canciones como Two Ghosts y From the Dining Table muestran su vulnerabilidad, explorando el amor y la introspección. La producción es sofisticada pero accesible, con guitarras crudas y arreglos más orgánicos, lo que otorga al disco una sensación más personal y auténtica. Harry Styles se distancia del pop convencional, presentándose como un artista en plena exploración de su identidad musical, sin miedo a mostrar sus influencias y su propio estilo, lo que lo convierte en un álbum destacado de su carrera.
HOTEL CALIFORNÍA
Un disco que nunca pasa de moda.
Hotel California no es solo un disco; es una experiencia. Cada vez que lo escucho, descubro algo nuevo, ya sea un detalle en la producción, una letra que me hace reflexionar o simplemente la emoción que transmite la música. Si aún no lo tienes en tu colección de vinilos, te recomiendo que lo consigas. Es un must-have para cualquier amante del rock y del buen sonido.
Aunque todo el álbum es brillante, hay algunas canciones que transmiten más que otras.
«Hotel California»: Un clásico atemporal con una atmósfera misteriosa y un mensaje que sigue siendo relevante hoy en día.
«New Kid in Town»: Una balada melancólica que muestra el lado más sensible de los Eagles.
«Life in the Fast Lane»: Una rola energética que captura perfectamente el estilo de vida desenfrenado de los 70.
el solo de guitarra de la canción «Hotel California». Según cuentan, Don Felder y Joe Walsh grabaron sus partes por separado, pero cuando las escucharon juntas, se dieron cuenta de que encajaban perfectamente. Ese solo, que se ha convertido en uno de los más famosos de la historia del rock, fue el resultado de una colaboración espontánea y mágica entre dos grandes guitarristas.
Para mí, escuchar este disco en vinilo es una experiencia completamente diferente a hacerlo en formato digital.
Ah!!! imagina como sonará que es uno de los discos referencia a la hora de probar equipos de sonido.
Wes Montgomery
The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery (Original Jazz Classics Series)
Este producto saldrá a la venta el 28 de febrero de 2025.
«The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery» es considerado uno de los álbumes más destacados en la carrera de Wes Montgomery y un clásico del género jazz. Este álbum, que ha sido incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de EE.UU. desde 2017, será relanzado el 28 de febrero de 2025 como parte de la serie Original Jazz Classics. Esta nueva edición estará disponible en vinilo de 180 gramos, con masterización analógica a partir de las cintas originales realizada por Kevin Gray en Cohearent Audio, y presentada en una funda Stoughton Tip-On. Además, contará con Tommy Flanagan en el piano, Percy Heath en el contrabajo y Albert Heath en la batería. El álbum incluye temas como «Airegin», «D-Natural Blues», «Polka Dots and Moonbeams» y «Four on Six». Para aquellos que prefieren formatos digitales, también estará disponible en alta resolución de 192/24.
Edición remasterizada de ‘The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery’ a través de la serie Original Jazz Classics de Craft/Concord.Publicado originalmente en 1960 por Riverside, los ocho cortes producidos por Orrin Keepnews se grabaron en los neoyorquinos estudios Reeves Sound por Wes Montgomery acompañado por Tommy Flanagan (piano), Percy Heath (bajo) y su hermano Albert Heath (batería). Este álbum está considerado como una de las obras maestras del guitarrista porque dos de sus grandes aportaciones musicales, el uso de octavas y el personal uso del pulgar, se pueden disfrutar mejor que muchas otras grabaciones.Incorporado al archivo de The Library of Congress National en 2017, ahora disponible en exclusiva edición remasterizada y cortada analógicamente desde las cintas estéreo por Kevin Gray (Cohearent Audio) en LP (vinilo 180g negro prensado en RTI envuelto en carpeta Tip-On impresa en Stoughton con Obi).
ARBORESQUE. Artemis
Una obra maestra que no te puedes perder
El próximo 28 de febrero, los amantes de la música tendrán la oportunidad de sumergirse en Arboresque, el nuevo disco de vinilo de Artemis, un proyecto musical que ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su sonido innovador y profundamente emotivo. Este álbum, que combina sonidos envolventes y una producción impecable.
¿Quién es Artemiss?
Artemis es un artista (o grupo, dependiendo de la información que tengas) conocido por su capacidad para fusionar géneros y crear atmósferas sonoras únicas. Con una trayectoria que mezcla influencias del ambient, el neoclásico y el experimental, Artemis ha logrado posicionarse como un referente en la escena musical independiente. Su enfoque minimalista y su atención al detalle lo han llevado a colaborar con sellos discográficos de prestigio y a ganarse el respeto de la crítica especializada.
Arboresque es su trabajo más ambicioso hasta la fecha, un álbum que refleja su evolución artística y su compromiso con la excelencia musical.
¿Por qué Arboresque es un must-have para tu colección?
- Calidad de sonido excepcional: Grabado y masterizado con tecnología de vanguardia, este vinilo ofrece una experiencia auditiva nítida y cálida, ideal para los amantes del formato analógico.
- Arte conceptual: La portada y el diseño interior reflejan la esencia del álbum, convirtiéndolo en una pieza de colección tanto visual como auditiva.
- Versatilidad musical: Desde melodías relajantes hasta ritmos envolventes, Arboresque es perfecto para cualquier momento del día.
Fecha de lanzamiento y disponibilidad
El disco estará disponible a partir del 28 de febrero, y ya puedes reservar tu copia para asegurarte de ser de los primeros en disfrutar de esta obra maestra. No te quedes sin el tuyo, ya que se espera que las unidades sean limitadas.
Arboresque no es solo un disco de vinilo; es una experiencia que todo amante de la música debe vivir. Con su lanzamiento el 28 de febrero, este álbum promete convertirse en un referente en las colecciones de vinilo. Artemis ha creado una joyita sonora que combina innovación y emocion, y es, sin duda, un must-have para tu colección. ¡No pierdas la oportunidad de adquirirlo y disfrutar de su magia!.
Arboresque no es solo un disco de vinilo; es una experiencia que todo amante de la música debe vivir. Con su lanzamiento el 28 de febrero, este álbum promete convertirse en un referente en las colecciones de vinilo. Artemis ha creado una joyita sonora que combina innovación y emocion, y es, sin duda, un must-have para tu colección. ¡No pierdas la oportunidad de adquirirlo y disfrutar de su magia!
Nora Jones
NORA JONES . VISIONS
Norah Jones lanzó su noveno álbum de estudio, «Visions», el 8 de marzo de 2024. Este trabajo es una colaboración con el productor y multiinstrumentista Leon Michels. El álbum presenta una colección vibrante y alegre de 12 canciones que contrastan con el tono más oscuro de su anterior disco, «Pick Me Up Off The Floor» (2020).
«Visions» ha sido bien recibido por la crítica. La revista MOJO le otorgó cuatro estrellas, destacando que Jones ha redescubierto su esencia musical y describiendo el álbum como su trabajo más impredecible hasta la fecha. Por su parte, el Los Angeles Times lo describió como un disco de soul de garaje, funky y suavemente psicodélico, que sitúa su voz entre guitarras distorsionadas, baterías descentradas y teclados vintage.
En cuanto a los géneros y estilos presentes en «Visions», se pueden encontrar elementos de garage, soul, funk y una leve psicodelia, sin dejar de lado reminiscencias folk y country. Este álbum ha sido considerado por algunos como su mejor trabajo en años, mostrando una paleta sonora más amplia e interesante en comparación con sus producciones anteriores.
Y como en la categoria de Noticias musicales y curiosidades he hablado sobre uno de los sellos mas importantes de la historia, no podia faltar en mis recomendaciones algo de este sello DECCA para finalizar esta lluviosa semana de Enero…..aqui va.
Ludovico Einaudi
**Seven Days Walking** es una obra del compositor Ludovico Einaudi, publicada en 2019 bajo el sello Decca Records. Este ambicioso proyecto se divide en siete álbumes, cada uno representando un día diferente de una caminata imaginaria. Las piezas están construidas en torno a variaciones de temas principales que se repiten y transforman sutilmente, evocando la experiencia de recorrer un mismo paisaje en diferentes momentos.
El piano, característico del estilo de Einaudi, guía la narrativa musical, acompañado por delicados arreglos de violín y violonchelo que aportan profundidad y matices. La obra está profundamente inspirada en los paseos del compositor por los Alpes, donde el entorno natural y sus pequeños cambios influyeron en su percepción del tiempo y el espacio. El resultado es una experiencia musical introspectiva y envolvente, que invita al oyente a reflexionar sobre la conexión entre la naturaleza, el movimiento y la música.
Pasamos de tener Clásica en novedades en cd´s y pasamos al hip hop…..el eclepticismo que siempre va conmigo….¿y porque no?
Fugees… The score
The Fugees: Una leyenda del hip hop
The Fugees, una de las bandas más influyentes de los años 90, dejaron una marca indeleble en la música con su estilo único que fusiona hip hop, soul y reggae. Formado por Lauryn Hill, Wyclef Jean y Pras Michel, el grupo destacó no solo por su talento individual, sino también por su capacidad para crear obras que conectan profundamente con el público. Su álbum The Score, lanzado en 1996, es considerado un clásico imprescindible y catapultó al trío al estrellato mundial.
Sin lugar a dudas, The Score es un clásico eterno que ha resistido la prueba del tiempo. Recientemente adquirí la edición en vinilo, y debo decir que es una verdadera joya. Este lanzamiento especial incluye un doble LP prensado en vinilos de alta calidad, lo que garantiza una experiencia auditiva excepcional. El sonido es increíblemente nítido, con una riqueza y profundidad que capturan perfectamente la esencia de la grabación original. Es una compra imprescindible para coleccionistas y amantes de la buena música.
Aunque el hip hop no es mi género favorito, tengo que reconocer que disfruto mucho escuchandolo , no me lo creia ni yo ,no estaba acostumbrado a escuchar nada parecido al hip hop ,pero sinceramente es increible es melodico es ritmico es novedoso es creativo,fresco.
El trato que le doy a este disco el el mismo que le doy a mi genero «preferido» el Jazz ,normalmente no me pongo un disco de Jazz para cocinar o cuando estoy de limpieza ,me gusta sentarme y hacer una escucha mas profunda cosa que con este disco sorprendentemente me pasa. ¿Y que tiene este disco? Pues todos los adjetivos enumerados anteriormente ,si hago alguna alusión a lo que tenemos destaco el tema «Killing Me Softly» que sigue siendo la joya indiscutible del álbum; su interpretación es tan icónica que puede opacar ligeramente otras canciones del disco. Sin embargo, «Ready or Not» es una fuerte contendiente por el título de favorita . La versión de «No Woman, No Cry» tiene su encanto, aunque no alcanza la fuerza de las anteriores, y el resto del álbum mantiene un nivel muy alto. Además, Lauryn Hill aporta una magia especial con su voz y estilo únicos.
En resumen, The Score es un álbum que cualquier amante de la música debería tener en su colección, ya sea en CD o vinilo. Un verdadero tributo al talento y la creatividad de The Fugees.
MAC MILLER
El **Balloonerism (2 LP) en color verde** es una experiencia única tanto para los oídos como para los ojos. Si ya lo disfrutaste, seguro te habrás dado cuenta de que este álbum no solo se escucha, se siente. Cada canción parece flotar en el aire, con una mezcla que te envuelve en su atmósfera y te invita a desconectar del mundo.
El sonido tiene un carácter muy orgánico, como si cada instrumento estuviera ahí, frente a ti. Los graves son profundos y cálidos, pero nunca opacan al resto; el rango medio está cargado de vida, haciendo que las melodías se sientan cercanas y emotivas; y los agudos tienen una suavidad que te permite apreciar los detalles sin fatiga. Es un álbum que fluye con naturalidad, ideal para tardes tranquilas o momentos introspectivos.
El vinilo en color verde no es solo un adorno, es un complemento perfecto para el carácter artístico del disco. Al ser doble LP, cada lado ofrece una calidad óptima, sin comprometer nada en la mezcla. Es un álbum que no solo escucharás, sino que querrás mirar y sostener, convirtiéndose en un elemento imprescindible de tu colección.
HELLOWEEN
El **Helloween – Live at the Budokan** en su edición de 3 vinilos es puro espectáculo. Si ya lo escuchaste, seguro te transportaste al Budokan con esa energía que solo Helloween puede desatar en vivo. Este disco no solo suena bien, suena *vivo*, con esa magia que te hace sentir que estás ahí, en medio del público.
El prensado está muy bien hecho, casi sin ruido de fondo, así que cuando suenan esos riffs afilados de las guitarras, te llegan directos al pecho. Las voces de Andi Deris son una pasada, transmiten toda la fuerza y emoción de clásicos como «Future World» o «I Want Out», y las guitarras duales se lucen con una claridad y energía brutales. Cada solo te deja con la piel de gallina.
La batería y el bajo no se quedan atrás, son el motor que lo mantiene todo potente y perfectamente balanceado. Y lo mejor: como está repartido en 3 vinilos, no sientes que le falte espacio al sonido. Al contrario, puedes subir el volumen sin que nada se pierda ni suene apretado. Es uno de esos discos que, cuando lo pones en el plato, no puedes parar de escucharlo. Un imprescindible para cualquier fan del power metal y de la buena música en directo.
Taylor Swift
*Evermore* de Taylor Swift disco que te atrapa. Es como una continuación de *Folklore*, pero con un enfoque más introspectivo y experimental. Tiene esa mezcla de sonidos folk, alternativos y hasta algo de pop, pero todo muy bien cuidado, con una atmósfera casi mágica.
Las historias que cuenta en cada canción. «Willow» tiene un aire hechizante que te lleva a otro mundo, mientras que «Champagne Problems» y «Tolerate It» son emocionalmente devastadoras, como si estuvieras leyendo una novela comprimida en unos pocos minutos. Las letras no solo son honestas, sino que tienen esa capacidad de conectar, como si Taylor estuviera cantando directamente a tus propias experiencias.
Además, el disco tiene colaboraciones geniales, como con Bon Iver en «Evermore» y con The National en «Coney Island», que aportan aún más profundidad. Es un álbum que no solo se escucha, se siente. Perfecto para momentos tranquilos o cuando necesitas música que realmente te hable.
Linkin Park
*Hybrid Theory* de Linkin Park es un disco brutal, lleno de energía y emociones intensas. Mezcla rock, metal y rap con un sonido único que marcó a toda una generación. Canciones como «In the End» y «Crawling» destacan por sus letras profundas y su fuerza. Es un álbum que sigue sonando actual y poderoso.
Lo interesante de *Hybrid Theory* es cómo captura esa mezcla de vulnerabilidad y rabia que conectó con tantos. Mike Shinoda y Chester Bennington logran un equilibrio perfecto entre melodías emotivas y agresividad en los riffs de guitarra. Fue un debut que definió el nu-metal y marcó los años 2000.
Dos discos que valen mucho la pena. Gold: Greatest Hits de ABBA reúne sus temas más conocidos con un sonido limpio y bien trabajado. La banda sonora de Bohemian Rhapsody combina los clásicos de Queen con grabaciones en vivo que capturan toda su fuerza en directo. Dos recopilaciones que no fallan.
ABBA
Gold
Gold: Greatest Hits de ABBA, es una colección de temazos de principio a fin. Tiene todas esas canciones que todo el mundo conoce y que siempre levantan el ánimo: «Dancing Queen», «Mamma Mia», «Take a Chance on Me»… Cada una tiene algo especial, ya sea por las melodías pegadizas, las voces increíbles o ese toque de magia que solo ABBA sabe dar. Es de esos discos que puedes poner en cualquier momento y nunca falla.
Muchas de estas canciones fueron grabadas en los estudios Polar Music en Estocolmo, que era casi como el «cuartel general» de ABBA. Lo curioso es que Benny y Björn, los compositores, trabajaban mucho en perfeccionar cada detalle. Por ejemplo, en «Dancing Queen» tardaron meses en terminar la mezcla, porque querían que sonara exactamente como la tenían en la cabeza. ¡Y vaya si lo lograron. Es un disco que te hace viajar directo a los años 70 y te deja de buen humor.
Bohemian Rhapsody
Vinilo Doble , Importación BSO
La banda sonora de Bohemian Rhapsody está muy bien si te gusta Queen o quieres recordar la película. Tiene los grandes clásicos como «Bohemian Rhapsody», «We Will Rock You» y «Don’t Stop Me Now», pero también hay grabaciones en vivo que le dan un toque diferente, como las del Live Aid. Es como un recorrido por toda su carrera, con momentos de estudio y actuaciones épicas.
Lo interesante es que no es solo un recopilatorio; tiene algunas versiones adaptadas para la película y arreglos que mezclan la voz de Freddie con nuevas grabaciones. Si quieres algo que combine los mejores temas de Queen y un poco de ese espíritu de la peli, este disco cumple de sobra.
La banda sonora de Bohemian Rhapsody suena potente y bien equilibrada, mezclando las versiones de estudio más pulidas de Queen con grabaciones en vivo llenas de energía. Los clásicos como «Bohemian Rhapsody» y «Don’t Stop Me Now» tienen ese sonido inconfundible de la banda: guitarras precisas, la voz increíble de Freddie, y arreglos que siempre sorprenden.
Lo que destaca son las grabaciones en vivo, como las del Live Aid, que capturan toda la fuerza del grupo en el escenario, con el público entregado y ese sonido más crudo y directo. Es un disco que suena bien tanto si lo escuchas en un buen equipo como en cualquier lado, porque está muy bien producido para mantener la esencia de Queen. Perfecto para revivir la película y el espíritu de la banda.
Esta semana estuve escuchando tres discos brutales y te los recomiendo. El de Raphael, Ayer… aún, es un homenaje a la canción francesa, súper elegante y con mucho sentimiento,muy buen sonido. También me puse Abbey Road de The Beatles, que es puro oro, con temazos como «Here Comes the Sun» y un medley que es una pasada. Y el debut de The Doors, lleno de energía y con canciones como «Light My Fire» y «The End», que te dejan pensando ,este disco ya tiene unos añitos conmigo y va siendo hora de cambiarlo demasiados chasquidos aun asi el sonido es una maravilla. Si tienes un rato, échales una oreja, no te vas a arrepentir.
Raphael
Ayer… Aún
Vinilo (Edición Firmada)
He escuchado el último disco de Raphael, Ayer… aún, y tengo que decir que es un homenaje maravilloso a la canción francesa. Interpreta temas clásicos de artistas como Gilbert Bécaud, Charles Aznavour, y Édith Piaf con una sensibilidad impresionante. Lo grabó en París con Jacobo Calderón como productor, lo que le da ese aire auténtico y especial.
Una de las cosas que más me sorprendió fue el dueto virtual con Édith Piaf en «Padam Padam». Es increíble cómo lograron integrar su voz en esta producción, haciendo que suene tan real y emocionante. Además, saber que Raphael se inspiró en estos grandes nombres para darles su propio toque personal, me hace apreciar aún más el resultado.
En cuanto a presentaciones, ya está preparando conciertos, y uno de ellos será en mayo de 2025 en Elche. Es una gran oportunidad para escuchar este trabajo en vivo. Sin duda, Raphael demuestra que sigue siendo una figura clave en la música, incluso después de tanto tiempo en los escenarios.
Y la edición sin firmar con un precio más económico en el siguiente enlace.
The Beatles
Abbey Road – 50 Aniversario
Abbey Road de The Beatles,madre mía, ¡qué disco! Es como si cada canción te llevara a un lugar diferente. Empieza con «Come Together», que tiene un rollo increíble, y luego llega «Something», que para mí es una de las canciones más bonitas que han hecho. Todo el álbum es una pasada.
Lo que más me gusta es el medley del lado B, esas canciones que van todas seguidas como si fuera una sola. Es como un viaje, ¿sabes? Cambian los ritmos, las melodías, pero todo encaja perfecto. Y «Here Comes the Sun»… uff, esa siempre me pone de buen humor, es como un rayo de luz en forma de música.
Lo más curioso es que lo grabaron cuando ya estaban un poco a la greña entre ellos, pero, escuchas esto y parece que estaban en su mejor momento como grupo. Y no me olvido de la portada, con ellos cruzando el paso de cebra de Abbey Road. ¡Qué icónica! Si tienes tiempo, ponte a escucharlo, que es una joya.
The doors
The doors
El otro día me puse a escuchar el primer disco de The Doors, el homónimo, y qué te digo… es brutal. Desde que empieza con «Break On Through (To the Other Side)» ya sabes que te espera algo especial. Tiene una energía tan cruda y auténtica que te engancha al momento. Y luego está «Light My Fire», que es simplemente un himno. Es de esas canciones que aunque la hayas escuchado mil veces, no pierde su magia.
Lo que me mola de este disco es cómo mezclan ese rollo psicodélico con toques de blues y hasta jazz en algunos momentos. Ray Manzarek en el teclado es una locura, y la voz de Jim Morrison tiene un magnetismo que no puedes ignorar, como si estuviera contándote algo importante, aunque a veces no entiendas del todo qué quiere decir.
Ah, y ojo al final con «The End». Es larga, intensa y un poco perturbadora, pero de esas canciones que te dejan pensando un rato. Es como un viaje mental. Si te apetece escuchar algo que te saque de la rutina, este disco es perfecto.
Journey
Greatest Hits
El Greatest Hits de Journey, lanzado en 1988 por Columbia Records, es una excelente puerta de entrada al mundo de esta legendaria banda estadounidense. Su música combina rock melódico con baladas cargadas de emoción, lo que los convierte en un referente del sonido clásico de los años 70 y 80.
En este disco encontrarás canciones como Don’t Stop Believin’, un himno que probablemente has escuchado sin saber que era de ellos, y Open Arms, una de las baladas más románticas y famosas de la época. Su estilo destaca por la voz potente y emotiva de Steve Perry, junto con riffs de guitarra inolvidables y melodías pegadizas que hacen que sus temas sean fáciles de disfrutar y recordar.
Si te gustan las canciones llenas de energía, con letras emocionantes y un toque épico, este álbum es perfecto para ti . Ah!! y todo esto con un sonido muy muy bueno .
Michael Buble
Christmas
Christmas de Michael Bublé, lanzado en 2011 bajo el sello Reprise Records, es un disco que se ha convertido en un clásico de las fiestas. Si no conoces a Michael Bublé, su estilo combina jazz y pop con una voz cálida y elegante, muy influenciada por grandes como Frank Sinatra. En este álbum, reinterpreta canciones navideñas tradicionales y modernas con su toque personal.
Aquí encontrarás temas como It’s Beginning to Look a Lot Like Christmas, Jingle Bells (con las Puppini Sisters) y White Christmas, todos con arreglos sofisticados y esa vibra nostálgica que hace que te sientas en una película navideña. Es perfecto para quienes buscan un ambiente acogedor y festivo en estas fechas.
Back To Black
- Lista de canciones:
Disco 1
1. Rehab
2. You Know I’m No Good
3. Me & Mr Jones
4. Just Friends
5. Back To Black
6. Love Is A Losing Game
7. Tears Dry On Their Own
8. Wake Up Alone
9. Some Unholy War
10. He Can Only Hold Her
11. Addicted
«Back to Black» de Amy Winehouse es un disco que te envuelve desde la primera escucha. Es imposible no quedar atrapado por la profundidad emocional que transmite en cada canción. Su voz cargada de melancolía y fuerza se combina magistralmente con la producción retro que rinde homenaje a los sonidos del soul y el R&B de los años 60.
Temas como «Rehab» y «You Know I’m No Good» destacan por su honestidad cruda, mientras que la canción que da título al álbum, «Back to Black,» es un verdadero himno a la vulnerabilidad, con un arreglo que amplifica su impacto emocional. Las letras son auténticas, como si Amy estuviera abriendo las puertas de su alma para el oyente.
Además, lo que hace a este álbum tan especial no es solo su capacidad de transmitir el dolor y las luchas internas de Winehouse, sino también su celebrada producción a cargo de Mark Ronson y Salaam Remi. Cada detalle musical está pensado para resaltar el talento único de Amy, y el resultado es un disco que sigue siendo atemporal.
Si buscas un álbum que combine profundidad lírica, arreglos impecables y una interpretación vocal extraordinaria, «Back to Black» es imprescindible. Es de esos discos que no solo escuchas, sino que sientes.
- Lista de canciones:
1. Second Hand News
2. Dreams
3. Never Going Back Again
4. Don’t Stop
5. Go Your Own Way
6. Songbird
7. The Chain
8. You Make Loving Fun
9. I Don’t Want To Know
10. Oh Daddy
11. Gold Dust Woman
«Rumours» de Fleetwood Mac es uno de esos discos que trascienden generaciones, una obra maestra que combina letras sinceras con arreglos musicales sublimes. Es imposible escucharlo sin sentirse inmerso en la intensa dinámica emocional de la banda durante su creación.
El álbum está repleto de joyas como «Dreams», con su atmósfera envolvente y la icónica voz de Stevie Nicks, o «Go Your Own Way», donde Lindsey Buckingham canaliza la tensión en una mezcla de furia y melodía perfecta. Canciones como «The Chain» y «Don’t Stop» son emblemáticas, llenas de energía y con letras que, a pesar de su contexto personal, son universales. Cada miembro aporta algo único, lo que convierte el disco en un equilibrio mágico entre el dolor, el optimismo y la introspección.
Lo fascinante de «Rumours» es cómo la banda supo convertir sus conflictos personales en arte puro. Es un álbum tan emocionalmente honesto como musicalmente impecable, que logra conectar a un nivel profundo con el oyente. Sin duda, es un imprescindible para cualquier amante de la música.
El vinilo de Rumours de Fleetwood Mac destaca por su calidez y equilibrio sonoro. Las versiones de alta calidad, como las prensadas en Pallas o en 45 RPM, ofrecen un detalle espectacular en las voces y los instrumentos, creando una atmósfera envolvente. El bajo es preciso, las guitarras brillan naturalmente, y las armonías vocales resultan cautivadoras. Sin embargo, algunas ediciones más económicas pueden carecer de claridad, siendo menos recomendables si buscas la mejor experiencia auditiva. Este álbum, en una buena edición, es imprescindible para los amantes del sonido analógico.
Además, la conexión emocional y la energía de las canciones de Rumours se ven amplificadas en el formato vinilo, capturando de manera única la esencia de Fleetwood Mac.
AC / DC
BLACK IN BLACK
Back in Black de AC/DC es uno de los álbumes más icónicos en la historia del rock. Lanzado en 1980, marcó el debut de Brian Johnson como vocalista tras la trágica muerte de Bon Scott. Este disco, producido por Robert «Mutt» Lange, se grabó en los estudios Compass Point en las Bahamas, en medio de un clima impredecible que reflejaba la intensidad emocional de la banda tras perder a su compañero. La portada negra rinde homenaje a Scott, con un diseño sobrio pero cargado de significado.
El álbum arranca con los trece tañidos de campana de «Hells Bells», una introducción inolvidable que captura el espíritu del disco. La campana que se escucha fue creada especialmente para la grabación, pesando cuatro toneladas, aunque para las giras se utilizó una réplica más ligera. Temas como «Back in Black», «You Shook Me All Night Long», y «Shoot to Thrill» son clásicos absolutos que definen la energía inigualable de AC/DC.
Curiosamente, el disco es considerado un referente en la ingeniería de sonido, utilizado en estudios para evaluar acústicas por su calidad técnica. Además, sigue siendo un pilar cultural, inspirando bandas y apareciendo en innumerables playlists y películas.
Si eres fan del rock, este vinilo es una pieza imprescindible, tanto por su significado histórico como por su energía atemporal. Una auténtica joya para cualquier melómano.
AC / DC
Power Up
El álbum «Power Up« de AC/DC es un emocionante tributo al legado del fallecido Malcolm Young, uno de los pilares creativos de la banda. Lanzado en noviembre de 2020, este disco fue un regreso triunfal con la formación clásica liderada por Angus Young y el regreso de Brian Johnson, quien había estado ausente en proyectos anteriores. Aunque no incluye grabaciones de Malcolm, muchas de las canciones se basan en riffs escritos por él, mostrando el espíritu eterno del guitarrista en el sonido inconfundible del grupo.
«Power Up» mantiene la fórmula característica de AC/DC: riffs potentes, coros llenos de energía y ese estilo que combina rock clásico y heavy. Temas como «Shot in the Dark» y «Demon Fire» destacan por su fuerza y vitalidad, dejando claro que la banda no ha perdido su toque incluso después de décadas de trayectoria. Además, el álbum fue muy bien recibido por la crítica y los fans, logrando agotarse rápidamente en su preventa, lo que refleja la vigencia de su música en el panorama actual.
Este trabajo no solo es un álbum, sino un manifiesto de que AC/DC sigue siendo una de las bandas más influyentes del rock. Escuchar «Power Up» es revivir la esencia del hard rock con una energía que parece inagotable.
The quest mal Waldron
jazz, The Quest, originalmente grabado en 1961 y recién reeditado, es uno de esos que a cada escucha se le encuentran matices nuevos. Fue liderado por el pianista Mal Waldron, una figura que ya a inicios de los sesenta se había hecho notar por su trabajo como acompañante de Billie Holiday. Y aquí lo encontramos en un plan más experimental y arriesgado.
En este álbum lo acompañan Eric Dolphy en saxofón alto y clarinete bajo, y el vibrafonista Ron Carter (sí, el mismo que luego se convirtió en un monstruo del bajo en el jazz). Completan el grupo el contrabajista Reggie Workman y el baterista Charlie Persip, todos dejándolo todo en cada tema.
La reedición de The Quest vale la pena si eres fan de esos sonidos que desafían lo predecible. Se siente más limpio, pero mantiene esa crudeza en las interpretaciones. Los solos de Dolphy, como en “Warm Canto” y “Thirteen”, siguen siendo tan intensos y únicos que cuesta creer que fueran grabados hace más de 60 años.
Getz / Gilberto
Reedición en formato vinilo de ”Getz / Gilberto” uno de los discos más importantes de la historia de la Bossa Nova Brasileña.
El álbum Getz/Gilberto, lanzado en 1964 bajo Verve Records, es un ícono del jazz y la bossa nova, resultado de la colaboración entre el saxofonista Stan Getz y el guitarrista João Gilberto, con composiciones del maestro Antonio Carlos Jobim. El disco, que incluye el famoso tema «The Girl From Ipanema» cantado por Astrud Gilberto, fue grabado en una sola sesión de 24 horas en Nueva York. Aunque suena relajado, el proceso estuvo lleno de tensiones debido a diferencias de estilo: Getz prefería un toque más intenso, mientras que Gilberto optaba por sutileza. Incluso, en un momento de frustración, Gilberto habría llamado «idiota» a Getz, aunque Jobim suavizó la traducción para no empeorar el ambiente.
Una anécdota curiosa es cómo Astrud, esposa de João, participó de manera inesperada en la grabación. Sin experiencia como cantante profesional, su interpretación espontánea y delicada marcó tendencia y convirtió el tema en un éxito internacional. El álbum ganó múltiples premios Grammy y se considera un clásico imprescindible para los amantes de la música
Después de este éxito, João y Stan colaboraron nuevamente en el disco Getz/Gilberto #2, grabado en vivo en el Carnegie Hall en 1964. Aunque no alcanzó el impacto del primero, refleja la magia de su química musical
Last Updated on 5 meses by franik
